Artistas de América Latina

Reflejos

Roberto Matta. La Tierra es un hombre (detalle), 1942. Obsequio del señor y la señora Joseph Randall Shapiro (tras su muerte, dedicado a la memoria de Jory Shapiro por su marido). © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / ADAGP, París.

América Latina se extiende por dos continentes y comprende una multitud de culturas, mientras que sus artes abarcan milenios y representan un mundo de estilos artísticos.

Explora una pequeña muestra de la rica variedad de obras.en la colección del museo de artistas que nacieron y trabajaron en América del Sur y Central, México y el Caribe, incluidos varios artistas que estudiaron en los Estados Unidos o lo han convertido en su hogar adoptivo.

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Esta obra reinterpreta el famoso grupo escultórico de tamaño natural del Cristo de Esquipulas, iniciado en 1595 para un altar en Guatemala y todavía venerado por millones de fieles anualmente. Si bien se desconocen los creadores de la obra aquí, el estilo de la talla y la policromía la vinculan a la escuela guatemalteca que fue uno de los centros de producción de escultura más importantes en América Latina del siglo XVIII. Esta escena de la Crucifixión presenta heridas sangrientas realistas y expresiones de agonía cuidadosamente pintadas que dan vida al sufrimiento de las figuras. Además, los ojos de los dolientes son de cristal pintado al revés, lo que les da un brillo realista. La decoración dorada de los trajes incorpora la técnica del llamado estofado imitando el bordado en oro. De pequeña escala, este grupo probablemente estaba destinado a ser utilizado en un entorno privado, como una casa, un convento o un monasterio.

A la vista en la Galería 212

El artista peruano Kukuli Velarde (nacido en 1962) crea obras de cerámica que celebran las culturas indígenas y exploran las consecuencias de la colonialización por parte de España. En esta escultura de arcilla cocida a baja temperatura, transforma la famosa estatua cristiana de la Virgen de la Inmaculada Concepción de la catedral de Cuzco, llamada La Linda, en una antigua diosa Nasca. Coronada con un halo de estrellas plateadas y adornada con iconografía de la antigua cerámica de Nasca, La Linda Nasca crea una línea que va desde las tradiciones precolombinas hasta el presente poscolonial del arte latinoamericano contemporáneo. De esta manera, Velarde explora las identidades duales que muchos andinos modernos pueden abrazar.

A la vista en la Galería 136

Esta vasija maya del período Clásico Tardío fue realizada por Ah Maxam, miembro del linaje real del reino de Naranjo, en la región de Petén en Guatemala, quien estuvo activo artísticamente entre mediados y finales del siglo VIII. La vasija representa, en tres paneles casi idénticos, a un gobernante maya vestido como el dios del maíz, una deidad crucial para los antiguos mayas, que estaba relacionada con el ciclo de muerte y resurrección. Con plumas brillantes, bestias heráldicas y emblemas relacionados en su espalda, el gobernante/dios del maíz baila con una persona nacida con enanismo. Entre los mayas, las personas pequeñas eran vistas como seres especiales con poderosas conexiones espirituales con la tierra y el mundo interior. Esta escena captura un rito de paso en el que el alma del difunto es acompañada al dominio de los muertos, de donde eventualmente renacerá en el linaje real, tal como el maíz vuelve a brotar en el ciclo de renovación de la naturaleza.

A la vista en la Galería 136

Rebeca Gualinga, una artista canelos-quichua de Puyo, Ecuador, creó este frasco de almacenamiento en 1986 como declaración de protesta. Unos años antes, los indígenas de Puyo, incluidos los tres hijos de Gualinga, adoptaron un antiguo saludo inca, "ama llulla, ama shua, ama quilla", que significa "no mientas, no robes, no seas holgazán". ”, para protestar contra las compañías petroleras patrocinadas por el estado que buscan perforar la selva tropical donde viven. Las tres caras con los ojos muy abiertos de este frasco elaborado tradicionalmente simbolizan estos tres mandamientos, revividos en la modernidad como un mantra para los pueblos indígenas que protegen su tierra y su cultura.

Actualmente no está a la vista

La tejedora y artista de fibras colombiana Olga de Amaral (nacida en 1932) se formó por primera vez como arquitecta, una formación que se refleja en obras de fibras como Alquimia III. El pan de oro tejido en lino y algodón no sólo evoca la importancia del oro en la sociedad precolombina, en la que el metal era un medio para conectarse con lo sobrenatural, sino que evoca tanto las iglesias barrocas doradas como los relucientes mosaicos de la época colonial española. Los tapices de De Amaral son, de hecho, elementos arquitectónicos, capaces de dividir el espacio como pantallas relucientes, moviéndose a medida que caminamos alrededor de ellas. Durante una conferencia en el Museo Metropolitano de Arte en 2003, Amaral dijo: “A medida que construyo estas superficies, creo espacios de meditación, contemplación y reflexión…. Tapices, fibras, hebras, unidades, cordones, todos son capas transparentes con sus propios significados, que se revelan y se ocultan entre sí para crear una presencia, un tono que habla de la textura del tiempo”.

Actualmente no está a la vista; la obra se exhibirá en nuestras galerías en una exposición que se inaugurará en febrero de 2024.

Junto con Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco fue un líder del movimiento muralista mexicano que surgió después de la Revolución. Nacido en Jalisco, México, en 1883, Orozco estudió ingeniería agrícola antes de convertirse en artista, inspirado por el ilustrador José Guadalupe Posada. En su pintura de Emiliano Zapata, uno de los revolucionarios que dirigió un ejército de campesinos y desposeídos contra el ejército federal, Orozco crea una sensación de presentimiento y ambigüedad. Coloca al venerado rebelde al fondo, enmarcado en una puerta detrás de dos soldados armados y dos figuras que parecen estar de luto. La violencia y la destrucción perpetradas por ambos lados de la revolución habían perturbado a Orozco. En esta escena claustrofóbica, que desafía las tradiciones del retrato heroico, no hay sensación de victoria, sino más bien una sensación del coste de la guerra.

A la vista en la Galería 263

Diego Rivera (1886-1957) es uno de los artistas mexicanos más célebres de la historia del arte. Como muralista, pintor y escultor, buscó construir una identidad visual nacional, a menudo a través de representaciones de las antiguas culturas mesoamericanas, así como de los pueblos indígenas modernos. Esta pintura captura a la maestra tejedora nahua Luz Jiménez trabajando en un telar tradicional de cintura, una técnica milenaria que había aprendido de su madre. Jiménez fue más que un modelo: era una historiadora cultural. Mientras posaba para Rivera, le enseñó sobre la historia y el idioma del pueblo náhuatl. Al centrar a Jiménez en Weaving, Rivera abraza y celebra sus tradiciones indígenas.

Actualmente no está a la vista: la pintura regresa a la Galería 263 el 19 de septiembre de 2023.

Desde principios de la década de 1990, la arquitectura digital ha estado influyendo en la estética, inspirando la exploración formal y redefiniendo cómo se fabrican las estructuras. El arquitecto de origen argentino Hernán Díaz Alonso, director de la firma HDA-X (anteriormente Xefirotarch), con sede en Los Ángeles, se ha convertido en una figura significativa; Las formas grotescas y animales de su estudio ejemplifican hasta qué punto ha evolucionado la práctica digital. Aquí se muestra el modelo de Sur, una instalación galardonada que se extendió por el patio del MoMA PS1 como un esqueleto fantástico y surrealista. Diseñado a partir de una superficie acrílica que soporta formas tridimensionales impresas a partir de un compuesto de nailon, el pabellón real se construyó con tubos de aluminio doblados revestidos con un revestimiento de tela reflectante y bancos y plataformas de fibra de vidrio pintados de rojo Ferrari. “Con el estilo de un circo y el ambiente de un patio de recreo”, dijo, “Sur funciona como un juego: no hay narrativa, sólo reglas activas y comportamiento emergente”.

Actualmente no está a la vista

Nacido en Chile, donde estudió arquitectura, Roberto Matta (1911-2002) se mudó a Francia en 1933 y finalmente encontró y respondió a las ideas de André Breton y los surrealistas. En España, se hizo amigo del poeta y dramaturgo español Federico García Lorca, cuyo asesinato en 1936 por agentes del dictador Francisco Franco inspiró a Matta a canalizar su ira y dolor en un guión. Titulado La Tierra es un hombre, este texto emotivo y apocalíptico se convirtió en el principal impulsor de su arte visual durante los siguientes cinco años, culminando en una pintura del mismo nombre. Matta pretendía representar visualmente varios estados de conciencia en sus pinturas, llamando a las formas, a menudo turbulentas, "Inscapes" o "Morfologías psicológicas". Expuesta en la ciudad de Nueva York en 1942, donde el artista había emigrado al inicio de la Segunda Guerra Mundial, la pintura de Matta influyó profundamente en los expresionistas abstractos estadounidenses, incluidos Jackson Pollock y Robert Motherwell.

A la vista en la Galería 398

Teresa Burga (1935–2021) formó parte de un grupo de artistas peruanos responsables de reconcebir lo que podría ser el arte moderno en su país. Desde un principio se centró en el cuerpo femenino, explorando las representaciones y expectativas de la mujer en la sociedad peruana. Esta obra del período de influencia pop de Burga es un relieve pintado y encolado de una mujer descansando al estilo "mod" de los años 60, uno de los dos únicos relieves figurativos de Burga que sobreviven. Sin Título también se encuentra entre las últimas obras que Burga realizó antes de viajar a Estados Unidos en 1968 para estudiar en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago como becario Fulbright, lo que supuso una época transformadora de estudio para el artista. Después de su regreso a Lima, su trabajo se volvió más conceptual, centrándose en registrar huellas de su propio cuerpo físico más que del cuerpo de la cultura popular.

A la vista en la Galería 297

La artista brasileña Lygia Clark comenzó su carrera en la década de 1950 como pintora comprometida con el arte geométrico abstracto. Creó obras coloridas que trataban las superficies pictóricas como si fueran espacios arquitectónicos. Después de mudarse a París para estudiar pintura, en particular trabajando con Fernand Léger, quien había influido en la pintora brasileña Tarsila do Amaral una generación antes, simplificó su paleta y comenzó a extender el campo visual de la pintura más allá del borde del lienzo hacia el mundo del espectador. . La Unidade no.1 es un ejemplo perfecto. El cuadrado de madera, cubierto con pintura industrial negra y con bordes blancos, se deja sin marco y cuelga de un listón especial que le permite sobresalir ligeramente de la pared. Los sutiles efectos ópticos y espaciales dan como resultado una obra que tiene propiedades tanto de pintura como de relieve escultórico.

A la vista en la Galería 297